Sonntagsmusik

 

Auf dem Weg zwischen Ostern und Pfingsten gibt es viel Musik. Der Halleluja-Ruf ist der Grundton dieser 50 Tage. Zudem hören wir oft Jesusworte aus dem Johannesevangelium. Auch heute ist das Evangelium aus den Abschiedsreden Jesu genommen. Der entscheidende Satz daraus „Wer mich liebet …“ begleitet sozusagen das feierliche Halleluja. Deshalb hören wir ihn schon direkt vor dem Evangelium nach Johannes. Solche Worte über das innigste Verhältnis zwischen Gott und Mensch, das sich denken lässt, haben viele Mystikerinnen und Mystiker inspiriert. Und sie wurden oft vertont, weil sie früher dem Pfingstsonntag zugeordnet waren. Heute, auf dem Weg nach Pfingsten, passen sie aber ebenso gut. Worum geht es? Jesus stellt seine Jüngerinnen und Jünger ganz in das Geheimnis des dreifaltigen Gottes hinein. Verstehbar wird das nur mit Hilfe des Heiligen Geistes. Aber vielleicht kann die geistliche Musik auch ein wenig dabei helfen.

 

Wir hören dazu den Beginn einer Kantate des Barockmeisters Georg Philipp Telemann (1681 bis 1767). Er hat in Eisenach, Frankfurt am Main und in Hamburg gewirkt. Zu Lebzeiten war er einer der erfolgreichsten und bekanntesten Komponisten, dessen Ruhm größer war als der von Johann Sebastian Bach. Aus Telemanns Feder stammen Opern und Oratorien, Orchesterwerke und über 1500 Kantaten, die er in sogenannten „Jahrgängen“ gesammelt hat. Unser Stück entstand in seiner Frankfurter Zeit, vor ziemlich genau 300 Jahren. Die Jesusworte weist er dem Bass zu, weil das seit alters her die Stimme Christi ist. Die musikalische Form nennt man Arioso: ein bewegter, aber keineswegs virtuoser Gesang, dezent vom Orchester begleitet. Jesu Verheißung erklingt so mit geradezu segnender Geste. Ja, sie kommt immer näher, wozu auch die vielen Wiederholungen der Worte beitragen. Telemann schenkt uns etwa zwei Minuten Zeit, diese pfingstliche Zusage aus Jesu Mund hörend aufzunehmen und anzunehmen.

 

Unser Autor Meinrad Walter empfiehlt eine Einspielung mit Nicolas Ries (Bass) und dem Neumeyer Consort unter der Leitung von Felix Koch.

 

Am heutigen Sonntag des Guten Hirten ist Psalm 23 sozusagen die Erkennungsmelodie. Zu allen Zeiten hat dieses Lied des Vertrauens viele Musiker und Dichterinnen angeregt. Zum alten Psalm, der poetisch mit den Bildern vom Hirten und vom königlichen Gastgeber spielt, entstehen immer neue Variationen.

Auch im Umkreis des Gebetshauses Augsburg, das der Theologe Johannes Hartl (geb. 1971) im Jahr 2005 mit seiner Ehefrau Jutta gründete und bis heute leitet. Seine Fassung des 23. Psalms setzt auf eine sehr kindliche Haltung, aber das hat Jesus ja auch gepredigt: „Wenn ihr nicht umkehrt und werdet wie die Kinder…“ (Matthäus 18, 3). Die „Feinde“ aus dem biblischen Original – „Du deckst mir den Tisch vor den Augen meiner Feinde“ – sind verschwunden. Dafür kommt ein weiteres spirituelles Bild ins Spiel: Gott und Mensch sind in gegenseitiger Liebe miteinander verbunden, wie Bräutigam und Braut. Sogar ein Gelöbnis wird gesprochen: „Und ich geb‘ dir alles, nimm mein Leben, nimm es ganz!“

 

Die Klangwelt im popmusikalischen Sound ist gekonnt inszeniert. Alles ist Gefühl, und Gefühl ist alles! Vielleicht lässt sich ja die religiöse Welt mitsamt der Kirchenmusik wie die Bewegung eines Pendels verstehen. Nachdem vieles in den letzten Jahrzehnten in Richtung des Rationalen ausgeschlagen hat, betont diese Musik das Emotionale. Gewiss ist, dass beide Facetten dazu gehören und berechtigt sind. Ob diese Psalm-Variation dabei in Wort und Musik zu weit geht, weil sie die Vernunft allzu sehr ausblendet und die Christinnen und Christen zu fast willenlosen Schäfchen machen will, ist schwer zu sagen. Aber letztlich ist das ja die Problematik dieser Psalmworte von Anfang an. Entscheiden Sie am besten selbst!

 

Unser Autor Meinrad Walter empfiehlt die Einspielung mit „Johannes Hartl und Freunde“

Dies ist der Tag, den der Herr gemacht hat; wir wollen jubeln und uns über ihn freuen. Halleluja!

 

Psalm 118,24

 

Die Osterzeit ist ein einziger Jubel. Fast wie bei einem Karussell drehen sich die Klänge um das eine Zentrum, den „Halleluja“-Ruf! Zu den wichtigen biblischen Versen, die bereits in der Osternacht zu hören sind, gehört Psalm 118, eine jüdische Dankliturgie mit dem freudigen Ausruf „Das ist der Tag, den der Herr gemacht hat!“ Da hören wir von einer reichen Symbolik, etwa im Vers „Der Stein, den die Bauleute verwarfen, er ist zum Eckstein geworden.“ 

   Christen beziehen diesen Satz und den gesamten Psalm auf Jesu Ostersieg. Der Literat Arnold Stadler übersetzt den entscheidenden Vers so: „Das ist der Tag des Herrn! Wir wollen ihn feiern. Er soll unsere Freude sein.“ Und ganz ähnlich könnte auch die Komponistin gedacht haben, der unsere heutige Sonntags-Musik gewidmet ist. Leonora d’Este hat von 1515 bis 1575 gelebt, die Prinzessin, Nonne und Äbtissin galt als gebildete Musikerin. Sie stammt aus einer skandalumwitterten Adelsfamilie. Ihre Mutter war Lucrezia Borgia, eine Tochter von Papst Alexander VI. Vermutet wird, dass ihr das Musizieren im Kloster näher lag als eine durchaus auch mögliche „weltliche Karriere“ mit Ehemann und Kindern. Also nahm sie den Schleier und wurde Nonne im Kloster zu Ferrara. Hier soll ihr fünfstimmiges „Haec dies“ („Das ist der Tag“) entstanden sein. Dazu passt die Besetzung mit Frauenstimmen, die in der Höhe ganz schwindelfrei sein sollten. Leider hat der venezianische Verleger, der das Werk gedruckt hat, keine Namen eines Komponisten oder einer Komponistin genannt. Weil viele Indizien auf Leonora d’Este hinweisen, ist ihre Autorschaft zwar nicht letztlich gesichert, aber sehr wahrscheinlich. Beim amerikanischen Vokalensemble Lyyra ist diese sehr polyphone Musik in den allerbesten Händen, pardon: Kehlen. Aber auch zum heutigen Weißen Sonntag oder zu den Jubelkommunikanten, die vor 40 oder 50 Jahren ihre Erstkommunion hatten, passt die Botschaft dieser Musik: „Dies ist der Tag, den der Herr gemacht hat; wir wollen jubeln …“

 

Unser Autor Meinrad Walter empfiehlt diese Einspielung mit den Frauenstimmen des Ensembles Lyyra.

Ich will hier bei dir stehen,
Verachte mich doch nicht!
Von dir will ich nicht gehen,
Bis dir dein Herze bricht.
Wenn dein Haupt wird erblassen
Im letzten Todesstoß,
Alsdenn will ich dich fassen
In meinen Arm und Schoß.

 

Paul Gerhardt

 

Der Palmsonntag ist die Ouvertüre zur Heiligen Woche. Heute beginnt ein Weg mit etlichen Stationen. Johann Sebastian Bach hat mit der Kantate „Sehet, wir gehn hinauf gen Jerusalem“ eine Musik geschaffen, die hierzu bestens passt. Das Ganze ist als Dialog gestaltet, der die Einwände der gläubigen Seele sehr ernst nimmt. Sie singt: „Ach, gehe nicht! Dein Kreuz ist dir schon zugericht‘, wo du dich sollst zu Tode bluten; hier sucht man Geißeln, dort bindet man Ruten; die Bande warten dein!“ Was aber würde das bedeuten? Dann könnte Jesu Erlösungswerk seinen Gang nicht aufnehmen und es gäbe weder das Abendmahl noch die Osternacht! Schrittweise findet die Seele zur Einsicht, dass all das nötig ist, was nun bevorsteht. Ja, sie entschließt sich zum Mitleiden mit dem Leiden des Gottessohnes.

Bach ist immer dann in seinem Element, wenn zum äußeren Begehen der Kreuzwegstationen auch noch die innere Dramatik kommt, nach dem Motto der „Matthäus-Passion“: „Das gehet meiner Seele nah.“ Ein ähnlichesBekenntnis erklingt in unserer Kantate bei der Strophe „Ich will hier bei dir stehen“ aus dem berühmten Passionslied „O Haupt voll Blut und Wunden“ von Paul Gerhardt. Zwischen die Liedzeilen fügt Bachs Leipziger Textdichter Picander gerne persönliche Vorsätze wie „Am Kreuz will ich dich noch umfangen“ ein. Choralworte und Bekenntnisse ergänzen sich gegenseitig. Gegen Ende der Kantate kommt bereits, wie von Weitem, das Ziel in den Blick. Ein österliches Präludium! Der Bass singt hoffend von den letzten Worten Jesu am Kreuz: „Es ist vollbracht“. Als Schluss-choral erklingt eine Strophe, die das Leiden in österliches Licht taucht: „Jesu, deine Passion ist mir lauter Freude.“ Nun ist aus dem irdischen Jerusalem, wo der Leidensweg beginnt, das himmlische Jerusalem geworden. Diese Kantate ist eine wunderbare Einstimmung in die wichtigste Woche des Kirchenjahres.

 

Unser Autor Meinrad Walter empfiehlt die Einspielung mit Vokalsolisten, Chor und Orchester der J. S. Bachstiftung St. Gallen unter derLeitung von Rudolf Lutz.

Der Herr, mein Hirte, führet mich; fürwahr, nichts mangelt mir. Er lagert mich auf grüner Au bei frischem Wasser hier. Den Tisch bereitest du vor mir, selbst vor der Feinde Schar. Mein Haupt salbst du mit deinem Öl, mein Kelch fließt über gar …

Psalm 23

 

An unserer Sonntags-Musik zu diesem berühmten Psalm haben mindestens ein halbes Dutzend Autoren und, ganz wichtig, vor allem eine Autorin und eine Übersetzerin mitgewirkt. Es beginnt textlich bei den Verfassern der Hebräischen Bibel mit ihren 150 Psalmen und deren Übersetzung im „Schottischen Psalter“. 
Dort, in der nordöstlichen Grafschaft Aberdeenshire, bekommt das Psalmgebet eine Melodie. Sie stammt von der 1836 als Pfarrerstochter geborenen Jessie S. Irvine, die als Organistin gewirkt hat. 1872 schuf sie diese Melodie, die nach dem Ort ihrer Entstehung „Crimond“ heißt. Im englisch-anglikanischen Bereich ist das nicht ungewöhnlich, denn dort werden Liedmelodien oft nach Komponistennamen oder Orten benannt. Jessie Irvines Kompositionsversuch soll übrigens eine Schulaufgabe im Fach Musik gewesen sein. 

Am vierstimmigen Chorsatz hat auch der Musiker David Grant mitgewirkt, den die Komponistin als Berater beigezogen hat. Besonders eingängig ist die dann zudem noch die Überstimme für die letzte Strophe. In dieser Fassung war der Choral schon oft bei großen Feierlichkeiten des englischen Königshauses zu hören: 1947 etwa bei der Trauung von Queen Elizabeth und Prinz Philipp, im September 2022 dann auch beim Staatsbegräbnis für die Queen, die diese Psalmmusik zu ihren Lieblingsstücken gezählt hat. 

In deutscher Fassung ist dieses Psalmlied vor allem in evangelischen und eher konservativen Kreisen beheimatet. Die deutsche Übertragung stammt von Charlotte Sauer. In der Schweiz hat das Lied es immerhin ins Reformierte Gesangbuch geschafft. Zum freudigen Charakter des heutigen Sonntags „Laetare“ passt es bestens. Und vielleicht begegnen wir ihm ja bald sogar im neuen Evangelischen Gesangbuch, das gerade entsteht?

 

Unser Autor Meinrad Walter empfiehlt die Einspielung mit dem Chor „Das Solistenensemble“ unter der Leitung von Gerhard Schmitter.

In jenen Tagen sprach der Herr zu Abram: Geh fort aus deinem Land, aus deiner Verwandtschaft und aus deinem Vaterhaus in das Land, das ich dir zeigen werde!

Genesis 12, 1 

 

Oratorien über biblische Gestalten oder Heilige sind eine aufwändige musikalische Gattung mit „Soli, Chor und Orchester“. Da ist es eigentlich schade, dass hunderte von ihnen in Vergessenheit geraten sind und kaum erklingen. Wenn man Glück hat, gibt es immerhin eine CD-Einspielung und Klangbeispiele im Internet. So auch beim zweiteiligen Abraham-Oratorium, in dem gleich zu Beginn die heutige Erste Lesung sehr dramatisch vertont ist. Der Komponist heißt Carl Amand Mangold (1813-1889). Er hat sich in nur fünfmonatiger Entstehungszeit dem biblischen Abraham, der zunächst Abram hieß, abendfüllend zugewandt. Im Alten Testament hören wir, was ihm alles widerfahren ist, und im Neuen gibt es oftmals Hinweise auf ihn, etwa bei Paulus im vierten Kapitel des Römerbriefs, Vers 3. Paulus fragt, was die Schrift, also die Hebräische Bibel, sagt; und die Antwort heißt: „Abraham glaubte Gott und das wurde ihm als Gerechtigkeit angerechnet.“

Wer aber war der Komponist Carl Amand Mangold? In Darmstadt geboren, hat er nach Studien in Paris vor allem in seiner Geburtsstadt gewirkt. Er war Lehrer und Leiter eines bürgerlichen Musikvereins, mit dem er oratorische Konzerte geben konnte. Das sind Höhepunkte im Musikleben! Am Beginn seines Abraham-Oratoriums steht, wie sich das gehört, eine Ouvertüre. Ihr Motto heißt: „Des Herrn Wort ist wahrhaftig und was er zusagt, das hält er gewiss.“ Dann trägt ein kompakter Doppelchor in blockhaften Akkorden die göttliche Zusage im Wortlaut der Luther-Bibel vor. Abraham antwortet mit großer stimmlicher Geste und aus vollem Herzen: „Herr, du willst Großes an mit tun, des bin ich fröhlich.“ Mit göttlichem Segen beginnen die dramatischen Ereignisse aus dem Buch Genesis, von denen wir in der heutigen Ersten Lesung hören.

 

Unser Autor Meinrad Walter empfiehlt die Einspielung des Abraham-Oratoriums aus Carl Amand Mangolds Wirkungsort Darmstadt mit dem Bariton Gilles Cachemaille in der Titelrolle sowie dem Konzertchor und dem Philharmonischen Orchester Darmstadt unter der Leitung von Wolfgang Seeliger (Ouvertüre und erste Szene).

Öffne mir die Augen, dass ich sehe, rühr an mein Herz, dass ich begehre. Lenke meine Schritte, dass ich den Lauf deiner Gebote einschlage.

Mein Herr und Helfer, sei du mein Gott; kein anderer soll neben dir sein … 

 

Lancelot Andrews

 

 

Die Sonntags-Musik singt von einem Gebet: Der Höchste möge mir die Augen öffnen – und gewiss auch die Ohren mitsamt den Lippen. So kann ich darauf vertrauen, dass er mir den richtigen Weg weist. Auf der Rückseite dieser „spirituellen Medaille“ steht das erste der zehn Gebote: „Ich bin der Herr, dein Gott. Du sollst keine anderen Götter haben neben mir.“ 

Ganz ähnlich formuliert es Psalm 119, der heutige Antwortgesang nach der Ersten Lesung: „Öffne mir die Augen, dass ich schaue die Wunder deiner Weisung! Weise mir, Herr, den Weg deiner Gesetze!“ Wie eine Brücke zwischen diesen biblischen Worten und der heutigen Sonntags-Musik steht ein Gedicht aus der Feder des englischen Gelehrten und Predigers Lancelot Andrewes (1555-1626). Der britische Komponist John Rutter (geb. 1945) hat dieses poetische Gebet sehr eindringlich vertont. Sir John ist einer der erfolgreichsten Chorkomponisten der Gegenwart! Er dirigiert seine Werke auch selbst, gerne mit über tausend Sängerinnen und Sängern, so wie vorletztes Jahr im Mainzer Dom. Und er hält bisweilen bei königlichen Anlässen in London die musikalischen Fäden in der Hand. Rutters Musik ist ebenso eingängig wie qualitätvoll. In der englischen Tradition mit Kathedralchören und opulenten Werken tief verwurzelt, scheut er Ausflüge in die popmusikalische Klangwelt nicht. „Öffne mir die Augen“ – im Original heißt es „Open thou mine eyes“ – beginnt einstimmig.

 

In drei steigernden Anläufen wird immer das wichtigste Wort betont: Augen, Herz, Schritte und Lauf. Raffiniert gehen die Steigerungen weiter: Nachdem die Oberstimmen das Thema übernommen haben, reichen sie es an die tiefen Stimmen weiter; auf die vierstimmige Version folgt nochmals die solistische Sopranstimme, die von einer Frau, einem Knaben oder einer kleinen Chorgruppe gesungen werden kann. Die Noten sind exakt die vom Anfangsteil. Aber die „Klangregie“ ist jetzt neu, weil ein vier- bis fünfstimmiger Summchor hinzutritt und der biblischen Botschaft einen exquisit geflochtenen Klangteppich ausrollt.

 

Unser Autor Meinrad Walter empfiehlt eine Einspielung mit dem Knabenchor collegium iuvenum unter Leitung von Michael Čulo aus der Stiftskirche Stuttgart.

 

Im 2013 eingeführten Gotteslob sind auch mehrstimmige Gesänge enthalten. Dazu zählen die zum heutigen Evangelium passenden und vierstimmig abgedruckten Seligpreisungen (Nr. 458). Ihr Komponist ist Peter Janssens (1934-1998), ein wichtiger Musiker aus der popmusikalischen Szene. 
Hier will er mit der Mehrstimmigkeit unterstreichen, dass es nicht um das Lied eines Einzelnen geht, sondern um das „Bekenntnis einer ganzen Gemeinde“. Bei der Uraufführung war die Gemeinde sogar ziemlich groß. 11 000 Menschen hörten 1979 beim Evangelischen Kirchentag in Nürnberg in einer Messehalle das geistliche Musikspiel „Uns allen blüht der Tod – ein Fest für die Lebenden“, in dem diese Seligpreisungen enthalten sind. Die Musik ist für Neue Geistliche Lieder dabei untypisch: schlicht und choralhaft, ohne Beat und Gegenrhythmen, lauter schlichte Harmonien im homophonen Tonsatz, den alle Stimmen ruhig deklamieren.

Der Text bezieht sich auf Jesu Bergpredigt und setzt zugleich neue Akzente. Die evangelischen Autoren Peter Horst (1927-2008) und Friedrich Karl Barth (geb. 1938) haben beide als Pfarrer, in der Jugendarbeit und als liturgische Impulsgeber gewirkt. Auf Barth geht im Übrigen auch die Erfindung des aus Pappe hergestellten „Kirchentagshockers“ zurück. Ihre Worte bringen gut zur Geltung, dass die Seligpreisung zum einen eine Zusage „von oben“ ist, zum anderen aber auch ein Impuls, heute so zu handeln, wie Jesus es will. Dann gilt, was die drei Liedautoren besonders wichtig finden: „Ihr alle seid schon hier glücklich, wenn ihr in der rechten Weise lebt.“ Das Thema der Lebenskunst aus den Seligpreisungen kennt viele Variationen. Vier weitere des Kölner Theologen Raymund Weber (geb. 1939) druckt das Gotteslob unter der Nummer 459 zur gleichen Musik ab. Genügend Stoff, sich musikalisch meditierend auf den heutigen Sonntag einzustimmen.

 

Unser Autor Meinrad Walter empfiehlt eine Einspielung mit Andreas Großberger (Orgel) und der Mädchenkantorei an der Domkirche St. Eberhard Stuttgart unter Leitung von Martin Dücker.

 

Heinrich Schütz (1585-1672) war ein Meister der musikalischen Bibelauslegung. Das hören wir in seiner Sammlung „Geistliche Chormusik“, die er 1648, im Jahr des Westfälischen Friedens, der Stadt Leipzig und ihrem berühmten Thomanerchor gewidmet hat. 

Wie geht Schütz vor, wenn er Bibelverse in die Sprache der Musik „übersetzt“? Als Erstes beschäftigt er sich mit dem Text. Da stören ihn etwas die moderierenden Worte wie „er sprach“ oder „Johannes antwortete“, weil sie den Redefluss unterbrechen. Also streicht er sie weg, bis nur noch die direkte Rede des Johannes übrig bleibt, deren Fortsetzung wir im heutigen Evangelium hören. Als Zweites überlegt Schütz, welche Worte so bildhaft sind, dass sie geradezu nach Musik rufen. Den Anfang gestaltet er solistisch, damit das erste Wort „Ich“ zur Geltung kommt. Dann widmet er sich insbesondere den Verben. Das „Rufen“ verlangt nach weiten Tonsprüngen, die wie Ausrufungszeichen wirken. Zur „Wüste“ hingegen passt ein langsam schleppendes Tempo mit unharmonischen Dissonanzen, so als ob die Orientierung verloren ist. Dann folgt das „Richten“ des Weges, ein ergiebiges Thema für die Musik: Holprig geht es los, aber dann finden die Töne ihre Richtung! Etwas komplizierter ist das „Taufen“, dem Schütz mit unnachahmlicher Präzision nachspürt. Melodisch deutet er an, wie die Hand des Taufenden ins Wasser eintaucht und sich gleich darauf nach oben hebt, damit das Wasser mit einer fließenden Kette von Achtelnoten auf den Täufling herabträufeln kann. Am Ende noch ein letztes Bild: das Auflösen der Schuhriemen. Ganz emsig und geschäftig geht es hier zu, bis in langen Notenwerten das Wort „Auflösen“ erreicht ist. Schütz beginnt immer neu mit Dissonanzen, die sich dann tatsächlich in schöne Harmonien auflösen. So musikalisch eingestimmt, begegnen wir heute im Evangelium dem Prediger und Täufer Johannes.

 

Unser Autor Meinrad Walter empfiehlt eine Aufnahme mit dem in Berlin beheimateten „Ensemble Polyharmonique“ unter der Leitung von Alexander Schneider.

 

Die Feiertags-Musik zu Dreikönig ist ein familiäres Teamwork. Von der Dichterin Fanny von Hoffnaaß stammen die Worte eines etwa einstündigen Oratoriums für Weihnachten, die ihr Ehemann Josef Gabriel Rheinberger dann anschließend vertont hat. Das Werk trägt den Titel „Der Stern von Betlehem“. Fanny von Hoffnaaß war vielseitig begabt. In einem zeitgenössischen Kommentar heißt es: „Diese merkwürdige Frau dichtet, zeichnet, singt, spielt Klavier, komponiert auch gelegentlich.“ Ihrem in Vaduz geborenen Mann verdanken wir viel Orgel- und Kammermusik sowie Messen und Chorstücke. Über 50 Bände zählt die Gesamtausgabe seiner Kompositionen.

Ihm und seiner Gattin Fanny ist mit dem „Stern“ eine volkstümliche und alpenländisch anmutende Weihnachtsmusik gelungen. Die Szene mit den drei Weisen beginnt mit einem charmanten Vorspiel des Orchesters. Dann treten die drei Könige auf. Die biblisch-christliche Tradition deutet sie ja stellvertretend für die damals bekannten Erdteile und die drei Lebensalter. Was liegt da näher, als das auch auf die Musik zu beziehen und die drei als solistisches oder chorisches Terzett mit Tenor, Bariton und Bass zu komponieren? Als Erstes hören wir von ihrer Geste: Sie fallen anbetend auf die Knie. Dann hören sie, wie die Hirten in der Christnacht, einen Engelsgesang, in den sie einstimmen wollen. Und schließlich geht die Dichterin der symbolischen Bedeutung ihrer Geschenke nach: Wie Weihrauch sollen die Gebete aufsteigen, die bittere Myrrhe verweist jetzt schon auf Jesu Leiden in der Passion, und das „lautere Gold“ ist Sinnbild für die unverfälschte Liebe zu Jesus. Die Quintessenz ist die Hingabe im fortissimo: „All dies, o König, sei dein.“ Rheinberger hat seinen „Stern“ nie selbst gehört. Zu schmerzlich war für ihn die Erinnerung an Krankheit und Tod seiner Frau noch vor Abschluss der Komposition. „Den werd‘ ich jetzt bald sehen, bald – bald!“ soll sie am Weihnachtsabend 1892 im Blick auf ihren „Stern von Betlehem“ gesagt haben.

 

Unser Autor Meinrad empfiehlt eine Aufnahme mit dem Symphonieorchester Graunke und dem Chor des Bayerischen Rundfunks.

 

Manchmal trifft vieles glücklich zusammen! So auch bei der Nummer 450 aus dem Gotteslob. Autor des Textes ist der Essener Priester Hans-Hermann Bittger (1933 bis 2012), der sich sehr für neue Lieder eingesetzt hat. Als er im Jahr 1978 in Israel unterwegs war, konnte er bei einer Übernachtung unter freiem Himmel „einen Sternenhimmel betrachten, so leuchtend und überwältigend wie nie zuvor und niemals nachher“. Für Bittger gewann das Wort Gottes an Abraham aus der heutigen ersten Lesung ganz neue Leuchtkraft: „Sieh doch zum Himmel hinauf und zähl die Sterne, wenn du sie zählen kannst! Und er sprach zu ihm: So zahlreich werden deine Nachkommen sein.“ Nun fehlt aber noch die Musik. Die hörte Bittger bald darauf in Jerusalem im Radio. Es ist der Kanon „Vij‘huda leolam“ von Joseph Jacobsen (1897 bis 1943), erstmals gedruckt in einem deutschen jüdischen Schulbuch. Jacobsen hat als Musiklehrer u.a. an der Hamburger Talmud-Tora-Schule gewirkt. 1938 wurde er mit weiteren jüdischen Kollegen verschleppt und im Konzentrationslager interniert. Im März 1939 gelang ihm mit seiner Familie die Flucht nach England, wo er 1943 im Alter von 45 Jahren starb.

Der Beginn „Gottes Wort ist wie Licht in der Nacht“ setzt in nächtlicher Tiefe ein, um sich dann himmelwärts aufzuschwingen. Der zweite Abschnitt „es hat Hoffnung und Zukunft gebracht“ steht eine Quart höher. Die letzte Zeile kehrt in Wort und Ton zum Anfang zurück. Aus dem Kontrast Licht-Nacht wird nun Stern-Dunkelheit. So schön dieser Gesang ist, erinnert er aber zugleich an die dunkle Geschichte, die unser Singen überschattet. Joseph Jacobsen hat beides erleben müssen. Und er blieb bei seiner Liebe zur Musik, von der er in seiner Doktorarbeit schreibt: „In Musik hat Gott einigen Sterblichen ins Ohr geflüstert.“

 

Unser Autor Meinrad Walter empfiehlt eine Einspielung aus dem Nikolaus-Münster in Überlingen mit der dortigen Jugendkantorei unter Leitung von Melanie Jäger-Waldau.

 

Dieses Lied will uns durch den Advent begleiten, indem es von Woche zu Woche „mitwächst“. Zu jeder am Adventskranz neu entzündeten Kerze darf eine weitere Strophe erklingen. Von der österreichischen Lehrerin und Schriftstellerin Maria Ferschl (1895-1982) stammen die Worte. Sie hat sich vielfach für die Erneuerung der Gottesdienste und für die Einführung der Landessprache in der Liturgie eingesetzt. Mit diesen vier Strophen gelingt ihr ein kleiner Geniestreich, weil Riten und Worte, Advent und Gesang, Familie und Kirche bestens zusammenklingen. Der Mainzer Kirchenmusiker Heinrich Rohr (1902 – 1997) hat die einprägsame Melodie beigesteuert: für ein Kinderlied, das nicht nur Kinder gern singen.

Dass ihre populären Strophen einmal in der berühmten Hamburger Elbphilharmonie im jazzigen Gewand eingespielt werden würden, hätten die beiden Autoren sich wohl nicht träumen lassen. Der Arrangeur Oliver Gies (geb. 1973) hat dieses Gewand ganz raffiniert „geschneidert“. 

Aber am Anfang steht ja auch noch der Apostel Paulus. Er hatte damals reiche Erfahrungen mit großen Hafenstädten. Lebte er heute, wäre ein Brief von ihm an die Christinnen und Christen in Hamburg gar nicht so undenkbar. Nach Rom schickt er diese Aufforderung, die wir in der zweiten Lesung hören: „Darum nehmt einander an, wie auch Christus uns angenommen hat, zur Ehre Gottes!“ (Römer 15, 7) In der Adventszeit kann ich vieles erneuern. Auch im gegenseitigen Sich-Annehmen, so wie jeder und jede ist. Besonders gut geht das mit Musik! Beim Singen hören wir aufmerksam auf die anderen Stimmen. Es darf auch mal kritisiert werden. Alle bringen ihre Talente ein, zur Ehre Gottes.

 

Unser Autor Meinrad Walter empfiehlt eine stimmungsvolle Aufnahme mit dem Ensemble Singer Pur aus der Elbphilharmonie Hamburg.

 

Vielstimmig geht es heute zu! Wir feiern das für kirchliche Verhältnisse noch junge Hochfest Christkönig. Vor genau 100 Jahren wurde es eingeführt. „Polyphon“ ist da nicht nur unsere Sonntags-Musik. Auch die Christus beschreibenden Bilder und Symbole in den liturgischen Texten sind geradezu vielfarbig. Gleich der Eröffnungsvers „Würdig ist das Lamm“ stimmt uns auf das Hochfest ein, nennt aber das Wort König gar nicht. Das Zitat aus der Offenbarung des Johannes führt uns ein Lamm vor Augen, dem sieben Eigenschaften zugesprochen werden, unter anderem Macht, Reichtum, Weisheit und Ehre. Das aber sind königliche Insignien! Eines ist sicher: In ein allzu einfaches Königsbild lässt dieser König sich nicht pressen. Er ist auch der gute Hirte, das geopferte Lamm, der Bräutigam der Seele und vieles mehr.

Georg Friedrich Händel (1685-1759) gelingt in seinem berühmten „Messias“-Oratorium ein großes komponiertes Porträt des königlichen Christus. Im Schlusschor geht es um sein Wiederkommen in Herrlichkeit, am Ende aller Tage. Dafür entfacht Händel ein wahres Feuerwerk an Klängen. Wie in Stein gemeißelt hören wir die Überschrift „Würdig ist das Lamm“. Kompakt folgen seine Eigenschaften. Und dann baut Händel mit dem letzten Wort „Amen“ eine Fuge wie eine klingende Kathedrale. Der Schriftsteller Stefan Zweig hat das fantasievoll als „Sternstunde der Menschheit“ beschrieben: „Dieses ‚Amen‘, diese zwei knappen, raschen Silben, sie fasste Händel nun, um aus ihnen ein klingendes Stufenwerk bis in den Himmel zu bauen.“ So löst Händel als Komponist genau das ein, was im heutigem Kommunionvers steht: „Allmächtiger Gott, du hast uns berufen, Christus, dem König der ganzen Schöpfung, zu dienen.“

 

Unser Autor Meinrad Walter empfiehlt eine Aufnahme mit den Ensembles Voces8 und Apollo5 unter der Leitung von Barnaby Smith.

 

Die Sonntagsmusik führt uns zu Anton Bruckner (1824-1896) und an seinen österreichischen Wirkungsort Linz. Sein berühmtes „Locus iste“ (Dieser Ort) war für die Weihe der Votivkapelle des neuen Linzer Doms bestimmt und passt deshalb gut zum heutigen Weihetag der Lateranbasilika. 

Es geht um den „Gotteshausbau“, schon in der Bibel. Denn dort erwacht Jakob aus seinem Traum von der Himmelsleiter mit einem guten Plan: „Dieser Stein soll ein Gotteshaus werden.“ Einige Male ist in den heutigen liturgischen Texten von „Bausteinen“ die Rede. Die Arbeit mit ihnen klappt aber bekanntlich nicht immer reibungslos. Auch in Linz kam es beim Bau des „Neuen Domes“ zu etlichen Verzögerungen. Im Herbst 1869 stand die Votivkapelle, der aber noch die Wand zur unvollendeten Kathedrale fehlte. Selbst wenn Bruckners „Locus iste“ damals noch nicht zu hören war, ist es eine großartige „Kirchen-Musik“ mit klarer klanglicher Architektur! Ebenso archaisch wie modern. Am Beginn ein „reiner“, also makelloser C-Dur-Dreiklang, zu dem die Sopranstimme schrittweise absteigt, was gleich beim zweiten Ton eine herbe Dissonanz ergibt. Diese musikalische „Vokabel“ ist untrennbar mit Bruckners Kirchweihmotette verbunden. 

Vielen mag sie bekannt vorkommen, wofür der britische Komponist Howard Goodall (geb. 1958) verantwortlich zeichnet. Seine Fassung ist nämlich von Bruckner „abgekupfert“ und wurde zur Titelmusik der Fernsehserie „Mr. Bean“.

 

Unser Autor Meinrad Walter empfiehlt eine Einspielung aus dem Mariendom Linz mit Hard-Chor Linz & Linzer Singakademie unter der Leitung von Alexander Koller.

 

Oft ist es nicht nur wichtig, was jemand sagt, sondern auch wie es gesagt wird. Im heutigen Evangelium hören wir von einer selbstbewussten Geste und von einer demütigen Haltung. Selbstbewusst heißt: weit vorne, im Stehen. Demütig hingegen: ganz hinten, sich auf die Brust schlagend, auf die Knie fallend oder fassungslos die Hände ringend. Der Text zu unserer Sonntags-Musik intensiviert die Demut noch zur Buße und Reue: Asche auf dem Haupt wie am Aschermittwoch, unter Tränen. 

Was der Zöllner mit wenigen Worten, aber von Herzen sagt, ist das Bekenntnis „Gott, sei mir Sünder gnädig“. Die Musik stammt von Johann Sebastian Bach, der hier Worte der Kantate „Mein Herze schwimmt im Blut“ aus der Feder des Darmstädter Hofdichters Georg Christian Lehms vertont hat. Lehms und Bach inszenieren alle Stationen der Reue geradezu dramatisch. Das Bekenntnis „Gott, sei mir Sünder gnädig“ setzt melodisch ganz hoch ein und gerät so zum Höhepunkt! Ganz am Ende der Kantate steht dann, wie bei der Beichte, die Versöhnung: „Wie freudig ist mein Herz, da Gott versöhnet ist und mir auf Reu und Leid nicht mehr die Seligkeit noch auch sein Herz verschließt.“ Das spricht wohl auch dem Zöllner aus dem heutigen Evangelium aus dem Herzen.

 

Unser Autor Meinrad Walter empfiehlt eine Einspielung der Netherlands Bach Society mit der Sopranistin Julia Doyle unter der Leitung von Alfredo Bernardini.

 

„Rossini untertreibt! Denn seine „arme kleine Messe“ ist ein abendfüllendes Werk. Erstmals erklang es im März 1864 zur Weihe einer Privatkapelle in Paris. Während dieser schlichten Zeremonie waren, vermutlich im Salon des Hauses, Vokalsolisten und ein kleiner Chor am Werk, begleitet von zwei Klavieren und einem Harmonium. Am Beginn steht das „Kyrie eleison“, das im Ruf der Aussätzigen „Jesus, Meister, hab Erbarmen mit uns“ eine seiner biblischen Vorlagen hat. Rossini, der von 1792 bis 1868 gelebt hat, komponiert die huldigende Bitte voller Leidenschaft! Er will wohl zeigen, dass auch die Sprache der angeblich weltlichen Oper zum Ausdruck bringen kann, worum es im Glauben geht. 

Erst vor wenigen Jahren wurde entdeckt, dass Rossini im Christe eleison eine Verbeugung vor einem Pariser Kollegen versteckt hat. Der Chor singt da unbegleitet und polyfon, so wie es in der Sixtinischen Kapelle üblich ist. Aber das hat Rossini gar nicht selber komponiert. Vielmehr hat er ein Stück aus einer Messe seines Freundes Louis Niedermeyer in sein neues Stück „eingepflanzt“. So zeigt der italienische Opernkomponist, der seinen Lebensabend in Passy bei Paris verbringt, dass nicht nur die frischeste Musik dem Impuls des heutigen Antwortpsalms gerecht wird: „Singt dem Herrn ein neues Lied!“ Auch „alt“ klingende Musik kann immer neu werden, wenn sie inspiriert und „con amore“ dargeboten wird. Nichts weniger als eine Musik aus dem Herzen hat Rossini hier im Sinn.

 

Unser Autor Meinrad Walter empfiehlt diese mitreißende Live-Aufnahme mit dem Niederländischen Radiochor unter der Leitung von Leonardo García Alarcón.

 

Unsere Sonntags-Musik mit dem armen Lazarus verbinden wir mit einer Montags-Musik zum Fest der Erzengels Michael. Wie das geht? Johann Sebastian Bach zeigt es uns in seiner Kantate „Es erhub sich ein Streit“. Im Sonntagsevangelium heißt es: „Der Arme starb und wurde von den Engeln in Abrahams Schoß getragen.“

 

In der spirituell-christlichen Tradition ist Michael der Engel, der die Seelen gen Himmel trägt. Bachs Arie beschreibt genau dies als letztes Ziel im Leben. Aber auch der Weg dorthin kommt zur Geltung: Alles beginnt schon „allhier“, wenn wir mit allen Engeln und Heiligen, also auch mit Lazarus, das Sanctus singen. Ganz besonders ist, dass der Leipziger Thomaskantor sich nicht mit dem Text begnügt, den der Tenorsolist singt. Simultan tritt eine Trompete auf, das himmlisch-endzeitliche Instrument. Wir hören von ihr den Choral „Ach Herr, lass dein lieb Engelein am letzten End die Seele mein in Abrahams Schoß tragen“. Das erinnert an den Gesang „Zum Paradies mögen Engel dich geleiten“. Ein eindrucksvolles Bild für den Wunsch aller nach Vollendung. Im Evangelium geht es für Lazarus in Erfüllung! Am Montag geht es dann um Michael, der „lieb Engelein“ und streitbarer Kämpfer zugleich ist. Irgendwie hängt biblisch, liturgisch, poetisch und musikalisch alles miteinander zusammen. Wie in einer großen Harmonie!

 

Unser Autor Meinrad Walter empfiehlt diese inszenierte Einspielung der Netherlands Bach Society. Die von Daniel Johannsen gesungene Tenor-Arie beginnt bei 11:01.

 

 

Im Evangelium erzählt Jesus von einem Festmahl, zu dem viele eingeladen sind. Sein Tipp für jeden Gastgeber: „Lade Arme, Lahme und Blinde zum Essen ein.“ Eine musikalische Einstimmung für heute ist das Lied „Aus den Dörfern und den Städten“ mit dem Refrain „Eingeladen zum Fest des Glaubens“. Eugen Eckert (geb. 1954), Stadionpfarrer der Commerzbank-Arena und Autor von über 1000 Liedtexten, hat die vier Strophen 1989 für einen „Tag der Katecheten“ im Bistum Limburg verfasst. Die Musik stammt von Alejandro Veciana (geb. 1962), der damals ebenso wie Eckert zur NGL-Band Habakuk gehört hat und der heute hauptberuflich an einer Gesamtschule in Hanau Musik und Spanisch unterrichtet. 

Mit diesem Lied kann man sich leicht identifizieren: singend, spielend und hörend. Das Bild eines Gastmahls wird uns mit textlichen und musikalischen Farben vor Augen und Ohren geführt. In der vierten Strophe muss man etwas aufpassen, weil jetzt aus dem erzählenden „sie folgten“ und „sie wurden zu Boten“ ein „Wir“ geworden ist: Wir folgen und werden so zu Boten des Gottesreiches. Nichts Anderes will Jesus, der auch für die Gäste beim Festmahl einen Tipp parat hat: Sie – pardon: wir! –  sollen uns demütig unten an die reich gedeckte Tafel setzen und nicht ganz oben. Aber das ist schon wieder ein neuer Aspekt unserer heutigen Geschichte, zu dem es auch Musik gibt …

 

Unser Autor Meinrad Walter empfiehlt eine Einspielung mit der Band Habakuk
 

 

Was der heutige Antwortpsalm hier im vierten Vers erzählt, das ereignet sich immer aufs Neue, wenn Verse der Psalmen zu Musik werden: im Komponieren, Spielen und Singen, einstimmig oder vielstimmig, mit Chor und Orchester. Ein ausdrucksstarkes aus dem Jahr 1930 ist die Psalmensinfonie von Igor Stravinsky (1882-1971). Im mittleren Satz hören wir die Anfangsverse des heutigen Antwortpsalms in lateinischer Sprache. Über der Partitur steht: „Diese zur Ehre Gottes komponierte Sinfonie ist dem Boston Symphony Orchestra zum Anlass des fünfzigsten Jahrestages seines Bestehens gewidmet.“

Stravinsky greift viele Einflüsse aus Ost und West auf. Er war ja ein musikalischer Weltbürger mit Lebensstationen in Russland, Frankreich und Amerika. In der Psalmensinfonie will er die vokalen und instrumentalen Kräfte so ausbalancieren, dass alte Traditionen nachklingen und zugleich etwas ganz Neues entsteht. Der zweite Satz beginnt, typisch instrumental, mit einer Fuge. Bald mischt sich der Chor ein, was sogar eine Doppelfuge ergibt! Und mit den hymnischen Klängen zur Verheißung des „Neuen Liedes“ schlägt Stravinsky in der Geschichte der Psalmkomposition ein neues Kapitel auf.

 

Unser Autor Meinrad Walter empfiehlt eine Aufnahme aus der Liederhalle Stuttgart mit den Ensembles des SWR unter der Leitung von Pablo Heras-Casado. Der zweite Satz beginnt bei 3:15.

 

„Wechselbäder sollen gesund sein für den Körper! Die heutigen biblischen Texte bieten ein geistliches Wechselbad. Es geht um das, was vergänglich ist und um das Bleibende. Die Erste Lesung bleibt skeptisch und vergleicht alles auf Erden mit einem „Windhauch“. Anders übersetzt heißt dieser Vers „Alles ist eitel.“ So beginnt ja auch ein berühmtes Gedicht des Barockpoeten Andreas Gryphius. Wer aber kann der Vergänglichkeit entkommen? Das ist der „neue Mensch“, der in Christus Kraft findet und den Paulus in der Zweiten Lesung beschreibt. Im Evangelium betont Jesus dann den Unterschied zwischen denen, die irdische Schätze anhäufen und jenen, die „bei Gott reich“ sind. Noch ein Wechselbad!

Text und Musik dieses Kanons entstanden 1942. Beide, der Autor Gerhard Fritzsche (1911-1944) und der Musiker Theophil Rothenberg (1912 -2004), haben sich mit der „Bekennenden Kirche“ gegen die Nationalsozialisten aufgelehnt. Dass deren Ideologie nicht bleiben wird, war ihnen klar. Denn Gott allein bleibt! Und mit ihm auch alle Menschen, die durch die Taufe ins „Buch des Lebens“ eingeschrieben sind. Mit den Worten „Alles ist eitel“ sinkt die Melodie im eintönigen Rhythmus in die Tiefe, wie das Gras im heutigen Antwortpsalm (Psalm 90,6). „Du aber bleibst“ wird zur vielfach wiederholten Gewissheit, mit der die drei Stimmen gegen die Vergänglichkeit ansingen. Ja, sie blühen auf wie Blumen in einer Landschaft. Und all das im harmonischen Wechselbad von Moll und Dur!

 

Unser Autor Meinrad Walter empfiehlt eine Aufnahme aus Potsdam.

 

Jesu Aufforderung im heutigen Evangelium „Wenn ihr in ein Haus kommt, so sagt als Erstes: Friede diesem Haus!“ lässt sich leicht musikalisch variieren. Etwa so: Wenn ihr Musik macht, dann singt immer wieder vom Frieden! Zahllose Komponisten und nicht zuletzt die vielen Kinderchöre im „Pueri-Cantores-Verband“ tun dies. 

 

Sehr gut zum heutigen Evangelium passt Ludwig van Beethovens (1770-1827) einzigartige Friedensmusik in seiner „Missa solemnis“, die er für sein größtes Werk hielt. In der Partitur steht vor den Noten eigens ein Motto: „Bitte um inneren und äußeren Frieden“. Wie aber klingt dies? Beethoven beginnt sehr sanft im Tempo Allegretto vivace. Bald wird die Musik drängender und die Vokalsolisten mischen sich ins Geschehen ein. 

 

Beethoven macht aus der Bitte ein Drama. Gegen die Friedensverheißung von oben stellt sich unten, mitten in der Welt, der Kriegslärm in Gestalt von zwei Mal anrückenden fanfarenhaften Klängen der Trompeten und Pauken. Die Bitte wird zum Schrei nach Frieden – und dann zum Dank. Aber selbst in diesen Dank mischt sich noch dumpfer Paukenklang wie eine Warnung: Der innere wie äußere Friede bleiben gefährdet. Nichts Anderes erleben die Jünger im Evangelium – und wir derzeit. Beethoven will mit seiner Messe verkündigen und aufrütteln. Sein Motto über der Partitur heißt: „Von Herzen – möge es wieder – zu Herzen gehen!“

 

Unser Autor Meinrad Walter empfiehlt eine Aufnahme des Hessischen Rundfunks unter Leitung von Andrés Orozco-Estrada. Beginn des „Dona nobis pacem“ bei 1:11:10.

 

Über die beiden Frauen Marta und Maria haben schon viele Leserinnen und Leser des heutigen Evangeliums nachgedacht. Die 1931 geborene und jüngst am 31. März 2025 verstorbene Komponistin Sofia Gubaidulina geht einen anderen Weg. Sie schreibt keinen Text mit Buchstaben, sondern eine Partitur mit vielen Noten. Es musizieren zwei Bratschen, die man auch Violen nennt, und ein großes Orchester. Also ein „Doppelkonzert“. Über den Noten aber steht eine Zueignung: „Marta und Maria gewidmet“. Auftraggeber war der Dirigent Kurt Masur gewesen, der 1999 die umjubelte Uraufführung mit den New Yorker Philharmonikern dirigiert hat. Der eigentliche Titel heißt übrigens „Zwei Wege“, was ja gut zu den beiden biblischen Frauen passt.

Sofia Gubaidulina war in der Sowjetunion unbeliebt, auch wegen ihres Glaubens und ihrer religiösen Werke. Seit 1992 lebte sie in einem Dorf in der Nähe von Hamburg. Mit den „zwei Wegen“ macht sie es sich nicht einfach. Sie sagt dazu: „In dieser Komposition spielt das Orchester die Rolle des Initiators, denn in ihm spielen sich eine Reihe dramatischer Episoden ab, die manchmal sehr wild sind. Für die beiden Solistinnen wirft das Fragen auf, die sie beantworten müssen.“ Das geschieht in insgesamt sieben Variationen. Die beiden solistischen Bratschen (Violen) dialogisieren miteinander und mit dem Orchester. Sie entfernen sich voneinander, um sich wieder anzunähern. Am Ende ist die erste Viola, vermutlich die kontemplative Maria ganz oben im Klangraum, fast himmlisch, während Marta die untere Klangregion aufsucht. Und das Publikum? Vielleicht sind wir in der Mitte, hin und hergerissen?

 

Unser Autor Meinrad Walter empfiehlt eine Aufnahme mit den Solistinnen Isabel Villanueva und Marina Katarzhnova sowie dem Estonian National Symphonieorchester unter der Leitung von Andres Mustonen. 

 

Ein bekanntes Lied passt zum heutigen Evangelium. Angelus Silesius (1624-1677), der schlesische Engelsbote, hat Jesu Ruf in die Nachfolge zu einem Gedicht gestaltet. Im Evangelium hören wir Jesu Stimme: „Wer mir nachfolgen will, verleugne sich selbst, nehme täglich sein Kreuz auf sich und folge mir nach.“ Das Lied entfaltet die biblische Botschaft aus Jesu Mund in fünf Strophen, um dann noch eine Antwort anzuschließen. Dabei bringt Silesius das ganze christliche Leben auf einen doppelten Nenner: Kreuz und Krone.

Das Lied im „Ton“ eines Gelöbnisses will eine Stärkung in der Nachfolge sein. Weil Silesius keine Kompromisse macht, gehen seine Strophen nicht so leicht von den Lippen. Zwischenfragen melden sich: Warum soll ich mich „verleugnen“ und die Welt verlassen? Da engagiere ich mich doch lieber für „die Kirche in der Welt von heute“! Das aber hat der barocke Autor ja auch getan, als er seine Lieder in die Welt schickte. Letztlich geht es darum, dass der Nachfolge nichts vorgezogen wird. Die Gemeinsame Synode der deutschen Bistümer hat das vor Jahrzehnten auf eine schöne Formel gebracht: „Nachfolge genügt!“ Wer das bedenkt, kann sich mit den kämpferischen Bildern dieses Liedes vielleicht besser anfreunden. Die schwungvolle Melodie des Leipziger Thomaskantors Johann Hermann Schein mag das unterstützen. Und ein Seitenblick auf das Bild mit Kreuz und Krone bestätigt es: Die Krone überstrahlt sogar das Kreuz.

 

Unser Autor Meinrad Walter empfiehlt eine Aufnahme mit dem Ensemble „Stimmwerck“

 

 

 

 

Haus- und Hofmusiker des Konradsblatts könnte unser heutiger Komponist sein! Liegen doch zwischen dem Ort der Redaktion heute und seiner damaligen Wirkungsstätte nur etwa sechs Kilometer. Aber der kaum noch bekannte Georg Christoph Strattner (1644-1704) hatte ja bereits einen guten Job: Er stammte aus einer Organistenfamilie und war mit 21 Jahren schon Hofkomponist in Baden-Durlach. Später zog es ihn nach Frankfurt und Weimar. 

Im Jahr 1689, als Strattner bereits Kapellmeister an der Barfüßerkirche zu Frankfurt war, entstand sein geistliches Konzert über das heutige Evangelium. Beim Text greift er auf eine Dichtung zurück, die der Barockpoet Christian Weise in seiner Sammlung „Reife Gedanken“ veröffentlicht hatte.

Viel Jammer steckt schon im ersten „Ach“, das Strattner musikalisch mehrfach auskostet. Wenn dann Vater und Sohn dialogisieren, wirkt der Satz „Sei getrost, mein Sohn, sei getrost“ wie ein väterlicher Segen. Er ist stärker als die Untreue des Sohnes: „Gott hat es mir versprochen, das Wort bleibt ungebrochen.“ Der Sohn nimmt die Versöhnung an und singt: Ich bin getröstet, auch wenn „sich mein Feind erbost“ oder „ich am Leibe leide“. Auf den innigen Dialog folgt eine abschließende Quintessenz. Diese dichtet der Textautor jedoch nicht selbst, sondern nimmt sie aus dem Gesangbuch. In der musikalischen Muttersprache der Gemeinde erklingt die letzte Strophe „Weicht, ihr Trauergeister“ aus dem bekannten Lied „Jesu, meine Freude“. Auch im Gleichnis folgen nun „Musik und Tanz“. Und der unzufriedene zweite Bruder. Aber das ist eine weitere Geschichte …

Unser Autor Meinrad Walter empfiehlt eine Einspielung mit dem Ensemble „Les Escapades“ unter Leitung von Cosimo Stawiarski.

 

 

 

 

 

 

 

Hört das Wort Gottes: In jener Zeit wurde der Engel Gabriel von Gott in eine Stadt in Galiläa namens Nazaret zu einer Jungfrau gesandt ...
(Lukas 1, 26-31. 35. 38)

 

Gotteslob 891

 

Dich, König, loben wir,
dich ehrn wir für und für.
Dir, o Jesu, wolln wir geben
Ruhm, Preis, Dank und Herrlichkeit,
hier durch unser ganzes Leben
und danach in Ewigkeit

Gotteslob 824